«...Я не могу ничего помыслить вне языка. Это точно граница моего сознания». Этой простой, кристально ясной мыслью, сформулированной российским художником Тимофеем Радей в одном из последних интервью и во многом созвучной знаменитому тезису Жака Деррида «Нет ничего вне текста», можно было бы выразить первоначальный импульс, пробу‐ дивший идею этого проекта год назад. Выставка «Между строк. Текстуальное в визуальном» посвящена осмыс‐ лению феномена текстуальности в современном российском искусстве. Проект объединяет произведения 25 авторов, в практике которых непосредственное присутствие текста играет первостепенную роль или же является важной составляющей художественного языка. В представленных на выставке работах текст обретает визуальную форму в самых разных медиа — от живописи до уличной акции, от инсталляции до вышивки. В некоторых случаях определяющим является концептуальное содержание текста, в иных — не менее значительна его пластическая форма. Не столь важно, является ли текст самодостаточным художе‐ ственным высказыванием, или же неразрывно, словно часть химического соединения, сплавлен с визуальной составляющей, воплощает собой нарратив или лишь его часть, именно он определяет сам формат коммуникации со зрителем. В 2007 году на выставке «Слово и изображение» Виталий Пацюков представил проект, посвященный диалогу визуального и вербального и возможностям его осуществления на примере работ российских и зарубежных художников. Двумя годами позднее, в 2009 году, Андрей Ерофеев на выставке «Русский леттризм. Работа художника со словом от концептуализма до актуального искусства» показал широкий спектр уже исключительно российских художников, использующих в своих работах слова, буквы и шрифты. Эти проекты постулировали логоцен‐ тричность как константу российской культуры и искусства. Действительно, текст буквально пронизывает наше сознание и определяет понимание мира и всех происходящих в нем процессов. Можно сказать, привержен‐ ность тексту составляет основу нашей культурной идентичности. В некотором смысле выставка в галерее «Триумф» продолжает размышления о текстоцентричности, присущей российскому искусству, но рассматривает ее в контексте произведений нового поколения авторов, работающих в поле актуального искусства. Если в собранных на упомянутых ранее выставках произведениях сквозила идея текста как лозунга или призыва, то работы, которые можно увидеть в текущей экспо‐ зиции, напоминают скорее откровения из дневника. Текст в искусстве сегодня приобрел гораздо более личный, персонализированный характер. Через него мы совершаем попытку проникнуть в область личного, где транслированы переживания, травмы, сомнения, опасения, радости — целый спектр того, что можно отнести к эмоциональному, чувственному, откровенному. При этом никак нельзя сказать, что работы существуют вне исторического и социокультурного контекста. Напротив, они являются свидетельством своего времени, результатом рефлексии текущего момента, но неразрывно связанными с личностью художника и переданными тем искренним языком, который без преград проникает в самое сердце. В экспозиции, словно в переполненной голосами комнате, мы вдруг оказываемся в оглушительной тишине один на один с автором, который посредством текста ведет с нами откровенный диалог. И в этом единственно различимом пронзительном шепоте обретаем сокровенные смыслы. Участники: Владимир Абих, Лиза Бобкова, Паша Бумажный, Иван Волков, Алина Глазун, Александр Дашевский, Максим Има, Кирилл Лебедев (Кто), Кирилл Манчунский, Ася Маракулина, Вадим Михайлов, Семен Мотолянец, Маяна Насыбуллова, Павел Отдельнов, Таня Пёникер, Ульяна Подкорытова, Слава Ptrk, Тимофей Радя, Игорь Самолет, Маша Сомик, Андрей Сяйлев, Наталья Тимофеева, Анна Титова, Лада Учаева, Валерий Чтак. Куратор: Полина Могилина.
На сегодняшний день PARAZIT – одна из самых ярких творческих инициатив в Петербурге. Это своего рода творческая лаборатория, где происходит взаимовыгодный обмен мастерством и опытом с неуемной молодой энергией. При неизменном основном составе группы, каждый год через нее проходит большое число молодых дарований, самые яркие и талантливые остаются в объединении. Для новой выставки в MARINA GISICH PROJECTS участники объединения, существующего более 20 лет на художественной сцене Петербурга, готовят проект о зрителе, воображаемом и реальном. Название выставки – «В поисках подготовленного зрителя». Или, что точнее, в поисках идеального медиатора; поля в пространстве-времени, где эта медиация между художником и зрителем будет носить ненасильственный и взаимовыгодный характер. По большому счету, состояние такого поиска является имманентным свойством объединения. И тогда, когда оно всей своей массой взбирается на Олимп, и когда каждый из его участников в одиночестве выходит на хайвэй. Как, впрочем, и во всех других больших выставках и проектах PARAZITа. Запрос на зрителя, одновременно достаточно подкованного, искушенного, и в то же время непредвзятого, может показаться неким капризом; однако это не прихоть, а насущная необходимость. Социальная вовлеченность деятельности членов объединения толкает их порой на использование полярных творческих стратегий – от тотальной герметичности создаваемых работ до полной их прозрачности, зачастую усиленной иронически-гротескным «рассказом». Однако складывается впечатление, что эта заостренность на проблеме зрительского восприятия во многом носит травмирующий характер. Художники будто бы говорят – вот моя работа, она тщательно отрефлексирована и надлежащим образом выполнена, что же вам еще надо? PARAZITу действительно очень недостает искомого качества восприятия его трудов. Снять эту остроту, или, что точнее – задать ей правильный, позитивно осмысленный вектор – одна из важных задач, стоящих перед выставкой. Зритель-реципиент художнику не оппонент. Он ему скорее коллега, партнер. Тот, кто участвует во взаимообмене. Уважение к зрителю – это не та позиция, в которой находится художник, создающий комплиментарное в отношении его произведение, либо использующий некий упрощающий, «продающий» его искусство тюнинг. Напротив, это позиция, в которой мы предоставляем ему широкое поле максимального сопричастия, возможность почувствовать себя в самом эпицентре смыслополагания. Подготовленный зритель это тот, кто достаточно открыт, чтобы не постесняться примерить на себя роль демиурга. Художники объединения PARAZIT предлагают возможность такой игры, которая может и даже должна стать привычкой. Возможность снять с себя вериги страдания при соприкосновении с искусством. Тренинг по восприятию, но не тот, что ненароком ломает мозг, расширяя поле зрения и раздвигая рамку, нет. Апофеоз субъективистского высказывания с сохранением в целости и неприкосновенности зрительской позиции «я так вижу». Текст: Тимур Мусаев-Каган Кураторы выставки: Семен Мотолянец, Тимур Мусаев-Каган. Участники выставки: Владимир Козин, Семен Мотолянец, Петр Швецов, Александр Шишкин-Хокусай, Керим Рагимов, Ольга Ростроста, Игорь Плотников, Наталия Феофилова-Фетинг, Вера Светлова, Андрей Сикорский, Владимир Сперанский, Владимир Лило, Тимур Мусаев-Каган, Мария Грабарева, Эмилия Санги, Коля Садовник, Дмитрий Жеравов, Таня Дубовская, Анна Ивонина, Наталия Гражданкина, Иван Смирнов, Алина Халитова, Татьяна Поле, Грета Димарис, Группа «Карозич», Лукас Швецов, Андрей Кабо, Алена Терешко, Саша Нефедова, Игорь Панин, Александр Строков.
В своем новом проекте художник говорит о чувстве вины: «Мужские фигуры, мужские портреты – это о том, что до сих пор вина и ответственность лежат в основе патриархального расклада мира. Давление этой непонятной отвественности приводит к судороге балансирования и невозможности выйти за рамки мужской роли, не утратив стойкости, то есть, без разрушения структуры пирамиды». Мотолянец верен мылу. Избрав его однажды в качестве темы и предмета своего художнического интереса, он преуспел на этом пути, создав свою, индивидуальную мифологию. Мыло в ней – сквозная метафора, ядерная мифологема, и, в то же время материал, с которым работает художник.** Подобно тому, как для Йозефа Бойса жир и воск выступали как самостоятельным, мощным фактурным началом, так и заместительным, воплощая идеи и смыслы «социальной пластики», обыкновенный кусок мыла становится проводником в мир самых актуальных смыслов, которые проявляются в нем как в индикаторе, запущенным в нужную среду. Может быть это и осторожная тактика, но в ней есть элемент иронии (самоиронии) и нужной критической дистанции. Всё же мыло само по себе довольно нагруженный разными смыслами объект, имеющими, как правило, сниженную коннотацию. Скажем, свойство мыла ускользать из рук задает некое направление суждений без четкой, фиксированной линии – это перформативный материал, норовящий сбежать и исчезнуть вместе с водой, выражающей текучесть и изменчивость состояний. Феноменология мыла такова, что позволяет художнику корректировать свою установку, задавая нужные дискурсы суждений. В своем новом проекте Мотолянец собирает воедино свой почти уже десятилетний опыт работы с мылом, задействуя разнообразные медиа, в которых он проявил себя за эти годы: живопись, фотография, скульптура, объект, перформанс. Важно, что первые работы в этом цикле – холсты с изображением горок мыла стали для художника откликом на события двухлетней давности в Белоруссии, где происходили массовые акции протеста. Политический исток создания работ в них самих не явлен. Наоборот, башенки разноцветных брусочков, написанных в стилистике «рихтеровского фотореализма» являют торжество мира благополучия и консьюмеризма, гламура и гедонизма, а гипертрофия масштабов напоминает о стратегии успеха в подаче промообразов в поп-арте. Эстетику «капиталистического реализма» художник обращает против нее самой, работая на ее же территории – и вот уже молчаливое предстояние вытянутых фигур (лежащих и стоящих) отсылает к архаическим формам ритуалов, след которых остался в первобытных сооружениях – дольменах. Ритуалам очищения? Обточенные временем, ветром и водой камни-голяки синонимичны обмылкам: природное, стихийное рифмуется с человеческим, социальным. Есть нечто детское, инфантильное в выстраивании мыльных дольменов – возвращение к архетипическим структурам, утверждающим присутствие человека в мире. Так название мыла «Детское» отсылает к работам классиков московской концептуальной школы – Елене Елагиной и Игорю Макаревичу, где прилагательные «адское» «высшее», соединенные с предметным, материальным носителем, приобретают из предикативных сущностные свойства. Средний род мыла обманчив, и художник начинает работать с гендерными различиями в языке, обнаруживая в вертикальных пирамидках выраженное мужское начало, правда, балансирующее на грани своего падения – что и становится для него подтверждением их шаткости. Когда-то, в 2014 году, Мотолянец осуществил перформанс «Мыло падло». Падение коробок с брусками хозяйственного мыла со строительной туры происходило после того, как оттолкнувшись от нее, художник в сиянии жестяного нимба совершал аутодафе, повиснув беспомощно на ветке дуба. В той инсценировке повешенья сопряжение падения брусков с собственной смертью было значимым жестом разрыва с грузом художнической ответственности, очищения. В этот раз – задача другая. Художник делегирует перформанс разным людям, предлагая им, обнажившись до пояса, удерживать на лбу пирамидку из кусочков мыла. Клоунский номер оборачивается непростым испытанием на удержание равновесия, неким коллективным ритуалом по поддержанию вертикальности шаткой мыльной архитектуры. «Этот проект, говорит художник – о чувстве вины, о возможности очищения и возможности отмыться. О том, что до сих пор вина и ответственность лежат в основе патриархального расклада мира. Давление этой непонятной ответственности приводит к судороге балансирования и невозможности выйти за рамки мужской роли, не утратив баланса, то есть без разрушения структуры пирамиды». Краткий миг равновесия и запечатлен на полароиде и в живописи, где диффузия форм, их рассредоточение в пространстве подчеркивает неуловимость происходящего. «Судорогу балансирования» художник решился обратить в трехмерную форму – так появились скульптуры – раскрашенные торсы людей-манекенов с закрытыми глазами. Получилось нечто противоположное: фигуры находятся в состоянии обретенного покоя, молитвенного погружения, транса, пирамидка словно лествица третьим оком устремляет их внутренний взор к небу. Пройдя инициацию, они сделались жрецами (или же рабами) неведомого культа – мыльной вертикали и сами от части превратились в мыло. Раскрашивая тела в пандан цветовой гаммы башенок мыла, художник размышляет о сложности сопряжения цвета и трехмерной формы. «Цвет мыла плавно переходит в цвет тела скульптуры не окрашивая тело в свое значение, а очищая его. Тело имеет свой цвет оно тоже имеет такое значение цвета что кажется нам сложным — прозрачным». Очевидная мимикрия создает ситуацию зависимости и подчинения, возможно добровольного, что превращает фигуры в фанатов самоочищения, изображенных тогда, когда благодать мыльной вертикали как инструмент чистого будущего изменила весь их строй, полностью уподобив себе. Дальнейшее – молчание. Глеб Ершов
Проект замышлялся художником как срез-отчет о творческих идеях, которыми вдохновляется автор сегодня. Лейтмотивом выставки станет серия, специально подготовленная к этому показу «Ловушка для визионера». В новую серию вошли произведения, выполненные в классической технике живописи, основой для которых стали фотонаблюдения, фотографии бром-серебряно-черно-белой ручной печати, объекты, графика. Семён Мотолянец родился и начал свое обучение в Бресте в ДХШ номер 1, завершил школу номер 10 с художественным уклоном. После учился в Минском Художественном Училище им Глебова по отделению Живопись. Высшее образование получил в Санкт-Петербургской Художественно-Промышленной Академии им А.Л. Штиглица (МУХА). Член союза художников Беларуси с 2019 года. Художник активно работает в двух городах Бресте и Санкт Петербурге, сотрудничает с ведущими галереями Беларуси, России, Италии. Конечно же, художник выбрал для себя сложную стезю современного искусства, в области своей деятельности на этой ниве неоднократно награжден премиями и дипломами. В его послужном списке такие награды, как Национальная Премия «Инновация» 2010, Малый приз Осеннего салона с Белгазпромбанком 2014, Приз французского Института на Премии С.Курехина 2018, Номинант Премии А. Зверева 2021, вошел в пятерку рейтинга лучших художников России 2017 года по версии журнала FORBES. Что же покажет нам художник в Бресте? Здесь будут представлены работы 2022 года, специально сделанные для показа, а также и развернута определенная ретроспективная линия творчества, будет и уже ставшая визитной карточкой автора работа с «мыльной темой», фотографические серии и большая живопись с текстами. Вот из прямой речи автора: «Извечная тема мыла, повторяющийся сюжет, развернется здесь в некоторой проекции: вариаций пирамид из мыла, неустойчивыми конструкциями, за которыми я слежу долгие годы, история исчезающего обмылка и история фотограммы мыла как домашнего члена семьи, портрет мыла или его рентген - снимок, сделанный на память перед окончательным исчезновением. Все это показано на выставке в онтологическом порядке для ознакомления зрителя с тем родом искусства, которым я занимаюсь на протяжении 20 лет, и поскольку моя география культурного взаимодействия расширилась и я чаще выставляюсь в Петербурге, то в Бресте я всегда хочу показать многосоставной проект из различных серий для знакомства с новой публикой. То есть хочу ускорить процесс знакомства зрителя со своим искусством. Автономия определенных произведений искусства хоть и консервативный ход в искусстве, но он очень сильно интересует меня на сегодняшнем этапе размышлений, больше, чем проектное мышление или построение осмысленной серии. Я вижу здесь серию, состоящую из персональных проектов. В том смысле, что это не первая персональная выставка в Бресте, а логическое продолжение выставок, которые я показывал в городе. «Местная особенность» (2015) , «Разметка публичного личного пространства желтой краской» (2017) , « Нельзязя» (2017) , «Жаль, что я не делаю искусство каждый день» (2021) , в это раз в логике этих названий я хочу назвать выставку «Ловушка для визионеров». Каждая выставка это логический шаг продолжения пути размышлений об искусстве, жизни и исторических событиях.